La musique est une partie importante de la culture mondiale, sans elle notre monde serait beaucoup plus pauvre. La culture musicale est un moyen de formation de la personnalité, elle éduque la perception esthétique du monde chez une personne, aide à connaître le monde à travers les émotions et les associations avec les sons. On pense que la musique développe l'audition et la pensée abstraite. La compréhension de l'harmonie sonore est aussi bonne pour la musique que pour les mathématiques. Nous vous parlerons de la formation et du développement de la culture musicale et pourquoi les gens ont besoin de cet art.
Le concept
La musique joue un rôle particulier dans la vie humaine, depuis les temps anciens, les sons ont fasciné les gens, les ont plongés dans la transe, ont aidé à exprimer des émotions et à développer l'imagination. Les sages appellent la musique un miroir de l'âme, c'est une forme de cognition émotionnelle du monde. Par conséquent, la culture musicale commence à se former à l'aube de l'émergence de l'humanité. Elle accompagne notre civilisation depuis le tout début. Aujourd'hui, le terme "culture musicale" désigne l'ensemble des valeurs musicales, le système de leur fonctionnement dans la société et les modes de leur reproduction.
Dans le discours, ce terme est utilisé avec des synonymes tels que musique ou art musical. Pour un individu, la culture musicale fait partie intégrante de l'éducation esthétique générale. Il forme le goût de la personne, sa culture intérieure et individuelle. La cognition de cette forme d'art a un effet transformateur sur la personnalité d'une personne. Par conséquent, il est si important de maîtriser la musique de l'enfance, d'apprendre à la comprendre et à la percevoir.
Les théoriciens croient que la culture musicale est un ensemble complexe complexe, qui comprend la capacité de naviguer dans les styles, les genres et les directions de cette forme d'art, la connaissance de la théorie et de l'esthétique de la musique, le goût, la réactivité émotionnelle aux mélodies et la capacité d'extraire du contenu sémantique du son. Également dans ce complexe peut inclure des compétences d'exécution et d'écriture. Le célèbre philosophe et théoricien de l'art M.S.Kagan croyait que la culture musicale peut être distinguée par une dimension individuelle, c'est-à-dire le niveau d'une personne individuelle, ses connaissances, ses compétences dans le domaine de cet art, ainsi que le niveau du groupe, qui est lié à certaines sous-cultures et segments d'âge de la société. Dans ce dernier cas, le scientifique parle de l'éducation musicale et du développement des enfants.
Fonctionnalités musicales
Un phénomène artistique aussi complexe et important, comme la musique, est extrêmement nécessaire à la fois pour une personne individuelle et pour la société dans son ensemble. Cet art remplit un certain nombre de fonctions sociales et psychologiques:
1. Formative. La musique participe au développement de la personnalité humaine. La formation de la culture musicale d'un individu affecte son développement, son goût et sa socialisation.
2. Cognitif. À travers les sons, les gens transmettent des sensations, des images, des émotions. La musique est une sorte de reflet du monde.
3. Éducatif. Comme tout art, la musique peut façonner certaines qualités purement humaines chez l'homme. Ce n'est pas en vain qu'il existe un point de vue selon lequel la capacité d'écouter et de créer de la musique distingue une personne d'un animal.
4. Mobilisation et rédaction. La musique peut stimuler une personne à l'action. Ce n'est pas en vain qu'il y a des mélodies de marche, des chansons de travail qui améliorent les activités des gens et les décorent.
5. Esthétique. Pourtant, la fonction la plus importante de l'art est la capacité de donner du plaisir à une personne. La musique donne des émotions, remplit la vie des gens de contenu spirituel et apporte une joie pure.
La structure de la culture musicale
En tant que phénomène social et faisant partie de l'art, la musique est une formation complexe. Au sens large, dans sa structure il y a:
1. Valeurs musicales produites et diffusées dans la société. C'est la base de la culture musicale, qui assure la continuité des époques historiques. Les valeurs nous permettent de comprendre l'essence du monde et de la société; elles sont spirituelles et matérielles et se réalisent sous forme d'images musicales.
2. Différents types d'activités pour la production, le stockage, la diffusion, la reproduction, la perception des valeurs musicales et des œuvres.
3. Institutions sociales et institutions impliquées dans divers types d'activités musicales.
4. Individus impliqués dans la création, la distribution, la performance de la musique.
Dans une compréhension plus étroite du compositeur D. Kabalevsky, la culture musicale est synonyme du terme «culture musicale». Selon le musicien, il se manifeste par la capacité de percevoir les images musicales, de décoder son contenu et de distinguer les bonnes mélodies des mauvaises.
Dans une autre interprétation, le phénomène étudié est compris comme une certaine propriété générale d'une personne, exprimée dans l'éducation musicale et le développement musical. Une personne doit posséder une certaine érudition, connaître un certain ensemble d'œuvres classiques qui forment son goût et ses préférences esthétiques.
Musique du monde antique
L'histoire de la culture musicale commence dans les temps anciens. Malheureusement, depuis les toutes premières civilisations, il n'y a aucune trace de leur musique. Bien qu'il soit évident que l'accompagnement musical des rituels et des rituels a existé dès les toutes premières étapes de l'existence de la société humaine. Les scientifiques affirment que la musique existe depuis au moins 50 mille ans. La preuve documentaire de l'existence de cet art apparaît depuis l'époque de l'Égypte ancienne. Déjà à cette époque, il existait un vaste système de professions musicales et d'instruments. Les mélodies et les rythmes accompagnaient de nombreux types d'activités humaines. A cette époque, une forme écrite d'enregistrement de la musique est apparue, ce qui nous permet de juger de son son. Des époques précédentes, seules les images et les restes d'instruments de musique sont restés. Dans l'Égypte ancienne, il y avait une musique sacrée qui accompagnait le culte, ainsi que d'accompagner les gens dans le travail et le repos. Pendant cette période, l'écoute de la musique à des fins esthétiques apparaît pour la première fois.
Dans la culture de la Grèce antique, la musique atteint son plus haut développement pour cette période historique. Divers genres apparaissent, les instruments sont améliorés, bien que l'art vocal prédomine à cette époque, des traités philosophiques sont créés qui conceptualisent l'essence et le but de la musique. En Grèce, un théâtre musical apparaît d'abord comme un type spécial d'art synthétique. Les Grecs comprenaient bien le pouvoir de l'influence de la musique, sa fonction éducative, par conséquent, tous les citoyens libres du pays étaient engagés dans cet art.
Musique du Moyen Age
L'établissement du christianisme en Europe a considérablement influencé les caractéristiques de la culture musicale. Une énorme couche d'œuvres apparaît, au service de l'institut de religion. Cet héritage est appelé musique sacrée. Presque toutes les cathédrales catholiques ont des orgues, il y a un chœur dans chaque temple, ce qui fait de la musique une partie du service quotidien de Dieu. Mais contrairement à la musique sacrée, une culture de la musique folklorique se forme, c'est le principe du carnaval dont M. Bakhtine a parlé. À la fin du Moyen Âge, la musique profane professionnelle s'est formée, elle a été créée et distribuée par des troubadours. L'aristocratie et les chevaliers deviennent des clients et des consommateurs de musique, alors que ni l'église ni l'art populaire ne leur conviennent. Il y a donc de la musique qui ravit l'audition et divertit les gens.
Musique de la Renaissance
Avec le dépassement de l'influence de l'église sur tous les aspects de la vie, ils mènent au début d'une nouvelle ère. Les idéaux de cette période sont des exemples anciens, et donc cette époque est appelée la Renaissance. A cette époque, l'histoire de la culture musicale commence à se développer principalement dans le sens séculier. Pendant la Renaissance, de nouveaux genres sont apparus comme le madrigal, la polyphonie chorale, la chanson et la chorale. Pendant cette période, des cultures musicales nationales se sont formées. Les chercheurs parlent de l'émergence de la musique italienne, germanique, française et même néerlandaise. Le système d'outils de cette période historique subit également des changements. Si auparavant l'orgue était le principal, maintenant les cordes sont devant, plusieurs types de violes apparaissent. Le genre des claviers a également été considérablement enrichi de nouveaux instruments: les clavicordes, le clavecin et quelque chose qui a commencé à gagner l'amour des compositeurs et des artistes.
Musique baroque
Pendant cette période, la musique prend un son philosophique, devient une forme particulière de métaphysique et la mélodie prend une signification particulière. Cette fois de grands compositeurs, durant cette période A. Vivaldi, I. Bach, G. Handel, T. Albinoni ont créé. L'ère baroque a été marquée par l'émergence d'un art tel que l'opéra, également à cette époque, les oratorios, cantates, toccates, fugues, sonates et suites ont été créés. C'est un moment de découverte, de complication des formes musicales. Cependant, dans la même période, il y a une division croissante de l'art en haut et bas. La culture de la musique folklorique est séparée et interdite dans ce que l'on appellera la musique classique dans la prochaine ère.
Musique du classicisme
Le baroque luxuriant et excessif laisse place à un classicisme strict et simple. Pendant cette période, l'art de la culture musicale est finalement divisé en genres hauts et bas, des canons sont établis pour les genres principaux. La musique classique est devenue l'art des salons, des aristocrates, elle donne non seulement du plaisir esthétique, mais divertit également le public. Cette musique a sa propre nouvelle capitale - Vienne. Cette période a été marquée par l'apparition de génies tels que Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. À l'ère du classicisme, le système de genre de la musique classique est finalement formé, des formes comme un concert, une symphonie apparaissent et une sonate est reformée.
À la fin du XVIIIe siècle, un style de romantisme s'est formé dans la musique classique. Il est représenté par des compositeurs tels que F. Schubert, N. Paganini, plus tard le romantisme a été enrichi par les noms de F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss. En musique, les paroles, la mélodie et le rythme commencent à être appréciés. Pendant cette période, des écoles nationales de compositeurs ont été créées.
La fin du XIXe siècle a été marquée par des sentiments anticlassiques dans l'art. L'impressionnisme, l'expressionnisme, le néoclassicisme, la dodécafonie apparaissent. Le monde est au bord d'une nouvelle ère, et cela se reflète dans l'art.
Musique du 20e siècle
Le nouveau siècle commence par des humeurs de protestation, la musique subit également des changements révolutionnaires. Après la Première Guerre mondiale, les compositeurs cherchent l'inspiration dans le passé, mais veulent donner un nouveau son aux anciennes formes. Le temps des expérimentations commence, la musique devient très diversifiée. L'art classique est associé à de grands compositeurs tels que Stravinsky, Shostakovich, Bernstein, Glass, Rachmaninov. Les concepts d'atonalité et d'aleatorics apparaissent, ce qui change complètement l'idée d'harmonie et de mélodie. Pendant cette période, les processus démocratiques dans la culture musicale se développent. Il y a de la pop et capte l'attention du grand public, plus tard il y a un mouvement musical de protestation comme le rock. Ainsi, une culture musicale moderne se forme, caractérisée par une multitude de styles et de directions, un mélange de genres.
L'état actuel de la culture musicale
À la fin du 20e - début du 21e siècle, la musique traverse une phase de commercialisation, elle devient un produit largement distribué et cela réduit considérablement sa qualité. Pendant cette période, les capacités des instruments se développent considérablement, la musique électronique et les instruments numériques apparaissent avec des ressources expressives sans précédent. La musique académique est dominée par l'éclectisme et le polystylisme. La culture musicale moderne est une immense courtepointe patchwork, dans laquelle ils trouvent leur place et avant-gardiste, et rock, et jazz, et tendances néoclassiques, et art expérimental.
Histoire de la musique folklorique russe
Les origines de la musique nationale russe doivent être recherchées à l'époque de la Russie antique. On ne peut juger des tendances de cette période que sur la base d'informations fragmentaires provenant de sources écrites. À cette époque, la musique rituelle et quotidienne était très répandue. Depuis les temps anciens, il y avait des musiciens professionnels sous le tsar, mais la signification des œuvres folkloriques était très grande. Le peuple russe aimait et pouvait chanter, le genre de chansons domestiques était le plus populaire. Avec l'avènement du christianisme, la culture musicale russe s'est enrichie d'art spirituel. Le chant choral paroissial apparaît comme un nouveau genre vocal. Cependant, pendant de nombreux siècles, le chant unanime traditionnel a dominé en Russie. Ce n'est qu'au XVIIe siècle que la tradition nationale de la polyphonie a pris forme. Depuis cette époque, la musique européenne est arrivée en Russie, avec ses genres et ses instruments, et la différenciation en musique folk et académique commence.
Cependant, la musique folklorique en Russie n'a jamais abandonné ses positions, elle est devenue une source d'inspiration pour les compositeurs russes et était très populaire parmi les gens ordinaires et l'aristocratie. Vous pouvez voir que de nombreux compositeurs classiques se sont tournés vers les bagages musicaux folkloriques. Ainsi, M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaikovsky ont largement utilisé des motifs folkloriques dans leurs œuvres. À l'époque soviétique, la musique folklorique était largement demandée au niveau de l'État. Après l'effondrement de l'URSS, la musique folklorique a cessé de servir l'idéologie, mais n'a pas disparu, mais a pris son propre segment dans la culture musicale générale du pays.
Musique classique russe
Étant donné que l'orthodoxie a longtemps interdit le développement de la musique profane, l'art universitaire se développe assez tard en Russie. À partir d'Ivan le Terrible, des musiciens européens vivaient à la cour royale, mais il n'y avait pas encore de compositeurs. Ce n'est qu'au XVIIIe siècle que l'école des compositeurs russes a commencé à prendre forme. Cependant, pendant longtemps, les musiciens ont été influencés par l'art européen. Une nouvelle ère de la culture musicale en Russie commence avec Mikhail Glinka, qui est considéré comme le premier compositeur russe. C'est lui qui a jeté les bases de la musique russe, qui a puisé des thèmes et des moyens expressifs dans l'art populaire. C'est devenu une caractéristique nationale spécifique de la musique russe. Comme dans toutes les sphères de la vie, la musique a développé la direction des occidentaux et des slavophiles. Le premier comprenait N. Rubinstein, A. Glazunov, le dernier - compositeurs de The Mighty Handful. Cependant, à la fin, l'idée nationale a gagné, et tous les compositeurs russes à des degrés divers, mais ont des motifs folkloriques.
Le sommet de la période pré-révolutionnaire de la musique russe est considéré comme l'œuvre de P.I. Tchaikovsky. Au début du XXe siècle, les changements révolutionnaires se sont reflétés dans la culture musicale. Les compositeurs expérimentent les formes et les moyens expressifs.
La troisième vague de musique académique russe est associée aux noms de I. Stravinsky, D. Shostakovich, S. Prokofiev, A. Scriabin. La période soviétique était plus un temps pour les interprètes, pas pour les compositeurs. Bien que des créateurs exceptionnels soient apparus à cette époque: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Après l'effondrement de l'Union soviétique, la musique académique en Russie est presque complètement entrée en scène.
Musique populaire
Cependant, la culture musicale ne se compose pas uniquement de musique folk et académique. Au XXe siècle, la musique populaire occupe une place à part entière dans l'art, en particulier le jazz, le rock and roll et la musique pop. Traditionnellement, ces directions sont considérées comme «faibles» par rapport à la musique classique. La musique populaire apparaît avec la formation de la culture populaire, et elle est conçue pour répondre aux besoins esthétiques des masses. Le pop art est aujourd'hui étroitement lié au concept de show-business, ce n'est pas tout à fait de l'art, mais de l'industrie. Ce type de production musicale ne remplit pas la fonction éducative et formatrice inhérente à l'art; c'est précisément ce qui donne aux théoriciens l'occasion de ne pas tenir compte de la musique pop lors de l'examen de l'histoire de la culture musicale.
